要理解、學習一門學科或一種知識，對該學科或知識本質上的掌握是最重要的事情，透過對本質的掌握，進一步建立該學問的知識架構體系，如此才能真正宏觀的認識理解該學科。而每一門學問的本質，通常由專業術語來界定，透過專業術語的運用，來定義個別細項及內容。
音樂的學習也不例外，除了用心感受、體會音樂之美外，「音樂」作為一門學問，也可以透過上述的方法加以理解分析。只可惜大多數音樂系學生，特別是學習演奏的，沒有養成理性分析思考音樂的習慣，對記載音樂的工具 — 樂譜，不詳加推敲研究；對演奏，也不講求方法。若不用正確的方法彈奏，而只是一再反覆的、機械化的練習，不但曠日廢時，更像是走錯了路一般，走得再快也走不到目的地。
很多音樂術語，或許看似簡單明瞭，但它就是定義音樂、理解音樂的基礎，所以在此我不厭其煩地說明，希望能引領愛樂者、習樂者進入音樂殿堂，體會堂奧之妙！
個別的音符不構成音樂，有意義、有組織的音符串連才是音樂。音樂的基本要素有音高、節奏、音色，進而產生動機、旋律、音階、和弦、調性、聲部等構成音樂的變化與發展之材料。
音高
音高可說是音樂最重要的元素，音高形塑旋律，是辨認一首樂曲的關鍵，正確的音高演奏，也是演奏最基本的條件。除了弦樂器對音高（或音準）的要求嚴格外，管樂器、聲樂也講究音準，所以音感的訓練均以辨識音高為基礎。演奏之前要先確實地把樂器的音調準；演奏時除了注意自己的音準外，與人合奏時，更要注意聆聽彼此的音準是否ㄧ致，如此才能演奏出和諧、美好的音樂。
動機：由數個音符所組成的音型，是構成音樂的最小單位
如貝多芬第五號「命運」交響曲的開始動機。動機呈現出樂曲的基本個性，動機的變化與發展則指出樂曲進行的方向，並構成音樂的面貌。ㄧ般而言，樂曲的開始就會有清楚、明確的動機呈現，掌握了動機的表現，就掌握了樂曲的個性，所以演奏時的首要任務是先分析動機的組成方式、內容為何，再思考應該如何表現。
旋律：不同音高音符的串連，加上節奏的變化
每個人對於優美旋律的感受雖然不盡相同，但一般而言，優美的旋律是指音符以級進為主的進行方式，偶有跳進音程的變化。優美的旋律強調音符與音符之間（音程）的連接與轉折，也就是所謂的旋律線條的波動、起伏。演奏優美旋律的訣竅，在於著重圓滑奏、歌唱性；輔以音符進行時高低起伏所展現的音量大小變化；去感受並表達出音符與音符銜接的關聯性與方向性。現代音樂旋律的呈現方式或許異於傳統，但其歌唱性、情感表達的本質並無改變，不應該演奏得呆板而無趣。
主題：或稱作「主旋律」，由ㄧ個或數個動機所組成的ㄧ完整樂念
主題為整首樂曲設定了基調，是樂曲基本概念的呈現。若用語言作類比，音符就像是單字；動機則像詞或片語；主題就是句子。將主題所代表的音樂概念清楚的表達出來，就有如文章的「破題」，藉此，我們得以瞭解樂曲進行的脈絡。主題內容的清楚呈現，有賴於對組成的不同動機的分析，掌握每個動機的特性，及它們之間的關聯性，才能將主題表達的清楚而生動。
節奏：音符的長短變化
節奏感，指的是音符的長短變化分明、對比強烈。要表現音樂的節奏感，就必須長音演奏稍長ㄧ點、強ㄧ點；短音稍短ㄧ點、輕巧ㄧ點，讓長音符短音符之間的對比明顯，例如附點8分音符與16分音符的對比。通常越活潑，越有精神的音樂就要強調其節奏感。
韻律感：音樂進行時節拍所帶來的一種律動感
韻律感與節奏感有關，但是節奏感強調的是個別音型音符的長短對比，而韻律感是音樂進行時節奏與拍子結合所產生的ㄧ種脈動或動感。所以精確的節奏表現不等於韻律感，但富有韻律感的音樂ㄧ定蘊含著節奏感。
速度：一首樂曲的步調
速度的快慢是傳達樂曲情緒的重要元素，快板常給人愉快、有精神的感覺；反之，慢板則較優美或感傷。速度可說是音樂的主軸，舉凡拍子、節奏的快慢；旋律的表現方式，都由速度來決定。但是速度並不等同節拍器上的數值，相同的速度，不同樂器或不同人的演奏，感受不盡相同；速度些微的不同，也會讓樂曲呈現不一樣的風貌。所以演奏者在開始演奏之前，一定要先想好速度，找到適合自己，又能表現樂曲風格的適當速度。
音色：聲音的質感（tone quality）
音色有兩個不同層面上的意義：不同的樂器發出不同的音色；不同的演奏方式（articulation）產生不同的音色變化。
每ㄧ種樂器都有其特殊的音色，作曲家作曲時也會思考每種樂器的特性，為該樂器量身訂做樂曲。優美動聽的音樂演奏必須透過發揮樂器最佳性能來展現，所以每位演奏家都應多思考所演奏的樂器與其它樂器有何不同，瞭解該樂器的限制及音色上的特質，才能盡情的發揮該樂器的音色特性。
另一種音色是指透過不同的樂音處理方式（articulation），展現出樂音音質上的變化。這種樂音的處理方式弦樂器稱為「運弓方式」；管樂器是「吐音方式」；鍵盤樂器則稱為「觸鍵方式」。以鍵盤樂器的「觸鍵方式」為例，要講究觸鍵的長短、觸鍵快慢、用力多寡、觸鍵的角度，這幾種觸鍵要素的排列組合，就會產生不同的音色變化。演奏者首先要看清楚樂譜上的要求，想像要演奏出什麼樣的音色，最後再決定用什麼樣的觸鍵方式來呈現這樣的音色。
三和弦：又稱和弦，是五三和弦的簡稱，指連續兩個三度音程的重疊
三個三度音的重疊則稱為七和弦，以此類推九和弦、十一和弦等。三和弦有四種：大三和弦、小三和弦、減三和弦、增三和弦，不同的和弦有不同的色彩，展現不同的個性，聽覺上的感受也大不相同。
和聲：和弦的連接
和聲色彩，是不同和弦連接時，所產生聽覺上的聲響、色彩變化，如和諧與不和諧、明暗、強弱、擴張與縮減等等。「和聲學」即是和弦連接、進行的原則與原理。演奏和聲時要體會和弦進行時的變化所帶來的內心感受，進而把這種感受表現出來。
對位法：多聲部音樂（或稱複音音樂）聲部與聲部之間音符對應的規則
巴洛克時期的音樂多以複音音樂的方式呈現，在演奏上除了注意個別聲部的清晰、歌唱外，更要兼顧聲部之間的互動關係。若用旋律線條來看聲部彼此關係的話，最好聽又和諧的，就是平行三度或平行六度的聲部關係；反向進行的聲部則產生聽覺上的張力感；另外還有斜行或不規則的聲部進行關係。多聲部音樂有如幾個人之間在對話，每個作曲家所安排的聲部之間的對話方式都不盡相同，也使得複音音樂聽起來複雜又多變。為了讓音樂聽起來有規則可循，複音音樂通常會有清楚且重複出現的主題。聲部之間的變化、音樂的開展，都緊緊的扣住主題，所以演奏複音音樂時，主題的演奏方式要仔細推敲研究。
曲式：樂曲的架構、音樂的形式
曲式之於音樂，有如骨架之於人體。曲式可龐大可短小、或嚴謹或鬆散，但仍然有一架構存在，音樂若沒有了曲式，就只剩下一串串零散的、不知所云的音符。演奏家除了演奏出優美的旋律、正確的節奏、動聽的音色外，更要把整首樂曲的架構組織起來，表現出音樂的形式美，這也是音樂藝術的最終目標！
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