2022長榮交響樂團《阿爾卑斯交響曲》演出

2022年9月15、18日長榮交響樂團在台北國家音樂廳舉行「廖國敏與曾宇謙」音樂會，我參與《阿爾卑斯交響曲》的演出。《阿爾卑斯交響曲》是德國浪漫派晚期作曲家理查·史特勞斯（R. Strauss，1864-1949）在1911～1915年所創作的最後一首交響詩。有別於古典時期交響曲多樂章的形式，《阿爾卑斯交響曲》採用交響詩的創作手法，全曲一氣呵成，氣勢雄偉壯闊，演奏長度約50分鐘。作曲家透過攀登阿爾卑斯山一整天的過程來比擬人的一生，其中有許多困難及挑戰，但也充滿了美好與希望。交響詩所描繪的登山過程始於夜晚，也終於夜晚，共22段：夜晚、日出、登山、進入森林、小溪旁步行、瀑布、幻象、在開滿鮮花的草地上、在高山的牧場、穿過灌木叢和矮林進入歧路、在冰川上、危險的一刻、在山頂、景觀、起霧、太陽漸暗、悲歌、風暴前的寂靜、惡劣天氣和風暴，下山、日落、尾聲、夜晚。

《阿爾卑斯交響曲》對我的音樂生涯有深刻的意義。學生時期除了聲樂曲外，對理查·史特勞斯的作品涉獵有限，後來透過《查拉圖斯特拉如是說》與《阿爾卑斯交響曲》兩首深受哲學家尼采影響的交響詩認識了這位偉大的作曲家。印象所及，我先後參與國立台灣交響樂團、國家交響樂團、貴陽交響樂團，以及長榮交響樂團演出《阿爾卑斯交響曲》，指揮分別是陳澄雄、呂紹嘉、Rico Saccani、水藍以及廖國敏。

「攀峰樂嶺」是國家交響樂團2013/14年的開季音樂會。呂紹嘉老師對音色的要求非常細膩，排練時讓我印象最深的，是他對阿爾卑斯山牧場上傳來陣陣牛鈴聲音色的描述，「牛鈴聲不能太規律，要有微風輕輕地吹拂所產生的一種距離的美感」。最難忘的一次則是2016年9月17日參與中國貴陽交響樂團的演出，9月15日中秋節的下午接到指揮Rico Saccani 的信息，希望我去支援演出，匆忙趕到貴陽已是16日凌晨三點了，演出使用的是樂團剛購買第一次啟用的Roland Classic C-330 雙層鍵盤的電管風琴。

2020年初新冠肺炎蔓延全球，許多音樂會被迫取消，經過近一年的沈澱與等待，2020年底我參與水藍指揮國台交「水藍與林昭亮—崇高與壯麗之美」兩場演出，分別在台北國家音樂廳和高雄衛武營舉行。在疫情肆虐下演出編制超過百人的《阿爾卑斯交響曲》顯得格外有意義，也使我對樂曲的內涵有更深刻的體悟。當時排練的心得記錄：「水藍的音樂熱情、真誠、深刻、歌唱，充滿想像力、感人至深。排練期間的奔波有時讓我感到不耐，但水藍老師所營造的音樂完全療癒了我。音樂是何等的虛幻，有如雲煙，稍縱即逝，卻又那麼美好而真實，讓演奏者及聆聽者共享著不可言喻的幸福與感動。」

2022年疫情仍持續延燒，長榮交響樂團原本7月的「廖國敏與曾宇謙」音樂會也因故延至9月。廖國敏是新生代才華洋溢、非常優秀的指揮家，曾任費城交響樂團助理指揮，現任香港愛樂駐團指揮。他的音樂充滿爆發力、感染性強、表情生動分明，排練過程不斷地激發團員們音樂上的熱情，他同時也分享了個人對這首樂曲的體會與想像。

職業樂團是一所高等音樂學府，我在其中接觸了許多音樂大師的作品，並且跟隨世界頂尖的指揮及優秀的演奏家學習。《阿爾卑斯交響曲》是理查·史特勞斯天命之年對人生的體悟，而每次演奏這首作品，就像是重溫生命的課題，總有新的發現和挑戰。隨著樂曲的跌宕起伏，我的樂團生涯不知不覺已過了30個年頭，許多老朋友、熟面孔都陸續退休了。江山代有才人出，過去我向前輩們學習，現在從年輕的音樂家身上汲取養分，或許那是被歲月消磨了的對世界的好奇，以及對人生的期待吧！

～2022-9-15～   寫於第一場演出後

克拉拉之死，一位堅毅不屈的傑出鋼琴家

《克拉拉之死》（Clara Schumann-The Artist And The Women），是鋼琴家克拉拉·舒曼（1819-1896）的傳記作品，由南西·瑞區（Nancy B. Reich）執筆。原著於1985年出版，並獲得美國作曲家、作家及出版人協會「泰勒獎」（ASCAP-Deems Taylor Award），從此成為研究克拉拉·舒曼的經典之作。中文繁體版則於2000年發行，由陳秋萍、游淑峰合譯，羅基敏教授編審。

作者南西·瑞區以豐富的日記（已出版及未出版的）、書信、文件、期刊、節目單等資料為基礎，透過其音樂學者的專業訓練，加上女性特有的敏銳及洞見，為我們描繪克拉拉的真實性格，並引領我們進入她內心世界。南西在修訂版中還增加了一些照片及最新發現的資料，並編輯了克拉拉已出版及未發行的作品，讓這本傳記更具權威性。

一般人對克拉拉·舒曼的既定印象，不外乎是作曲家羅伯·舒曼（Robert Schumann, 1810-1856）的太太、優秀的鋼琴家，也是作曲家布拉姆斯（Johannes Brahms,1833-1897）愛慕的對象。但透過同樣身為女性的作家眼光，我們得以認識克拉拉這位偉大女性的其它面向，她是藝術家、妻子、母親、教師、編輯，同時是她父親弗德列西·維克（Friedrich Wieck, 1785-1873）、羅伯·舒曼、約翰內斯·布拉姆斯創作靈感的泉源，克拉拉也對她身處的音樂世界極具影響力。

本書分為兩部分，第一部分「克拉拉的生命歷程」共8章，講述克拉拉從早期的神童身分、嫁給舒曼，直到舒曼死後40年的生活。克拉拉在歐洲建立了輝煌的演奏事業，同時維持家庭生計、支持舒曼的創作，並擔負養育8個孩子的重責大任。內容包括了：前奏（萊比錫的維克家族）、事業起步、羅伯·舒曼與維克家族、與維克決裂、婚姻生活、壓力累積、杜塞多夫與羅伯·舒曼的死、晚年。

第二部分「面紗下的女祭司」，涵蓋了克拉拉人生的四大面向：她與布拉姆斯以及同期音樂家的關係、克拉拉的創作、職業演奏生涯，以及成功的教師身分。共5個章節，包括：克拉拉與布拉姆斯、其他友人與同期音樂家、作曲與編輯生涯、演奏家、學習與教學生涯。

早年的克拉拉在其鋼琴教師父親維克的精心規劃下，接受了嚴格的訓練。除了學習鋼琴外，她的教育還包括了：閱讀、寫作、跟家庭教師學法文和英文、理論與和聲、對位法、管弦樂法、小提琴和讀譜、作曲、聲樂，以及宗教課程。克拉拉自九歲公開演奏後，就被認定是莫札特等級的音樂神童，但美麗早慧的她永遠帶著憂鬱、嘲弄的神情，這大概是神童才能體會的無奈吧！

選擇對抗父親的反對嫁給舒曼，是克拉拉人生面臨的第一個挑戰。新婚的甜蜜讓舒曼創作靈感湧現，寫下許多膾炙人口的作品。但對克拉拉而言，接踵而來的孩子，以及舒曼創作期間她無法練琴，都成為她的苦惱。1841年5月9日她在日記上寫道：「羅伯越投入他的創作，我就越無法做一個鋼琴家該做的事，天曉得！總有一些干擾，像家務那樣的小事，老是有零零碎碎的雜事要處理， 花了我很多時間。」這是克拉拉碰到第二個難題，她同時也害怕失去羅伯的愛。克拉拉不快樂，舒曼則覺得有罪惡感，但是兩人都同意以他的創作為優先。現實中的婚姻生活就是彼此不斷地適應與妥協。

克拉拉的一生中，一直被形容是個「女祭司」，不只是因為她獻身藝術，也因為她個性嚴肅、保守樸素。一再被接踵而至的災禍蹂躪，她的憂鬱也轉為變成絕對嚴肅和極端自制。她獨立、驕傲、有決心、固守自己的專業，而且名利雙收。彈奏音樂一直都是她的慰藉，沒有音樂，她就沒有力量忍受生命中一再發生的疾病、死亡和悲劇。她說：「藝術是份美好的禮物，的確，沒有什麼比用聲音表達人的感情來得更美。它也是悲傷時刻最好的慰藉；能夠帶給別人一個小時的快樂，是多麼愉快的事，多麼美好的感覺。而把自己的生命投注在藝術的追求上，是多麼崇高的感覺。」

至於34歲的克拉拉與20歲的布拉姆斯之間「熱烈的」友誼，一向是人們熱衷的話題，反而忽略了他們之間更深層的精神與藝術生活上的聯繫。1858年前他們之間的信函已完全銷毁，如今已無從得知布拉姆斯的愛戀是否如少年維特般無私無悔，但可確定的是當布拉姆斯對其他年輕女子表現出興趣時，克拉拉總是怏怏不樂。終其一生，布拉姆斯以自己的方式愛著克拉拉。克拉拉因多次中風，於1896年5月20日與世長辭，布拉姆斯也於隔年去世。

布拉姆斯對克拉拉最深沉的愛表露在他最後的歌曲作品裡，1896年創作的《四首嚴肅的歌》（Vier ernste Gesange)。作品在七月出版，布拉姆斯將一本送給克拉拉的大女兒瑪麗，附上了幾個字：「這些曲子是我在五月的第一個星期寫的......在我們的內心深處，似有某種東西在對我們說話，或驅使著我們，幾乎無意識地，不時浮現眼前，如一首詩， 一段音樂。 這些歌詞太感傷了，此時你可能無法卒讀。但我請求你珍惜它們......當作是對你親愛母親的誠摯追悼」。克拉拉多次中風後於1896年5月20日去世。

除了布拉姆斯外，本書也對李斯特（1811-1886）、華格納（1813-1883）、孟德爾頌（1809-1847）、小提琴家姚阿幸（1831-1907）、男中音史托克豪森（1826-1906）、歌手寶琳娜·加西亞-維雅多（Pauline Gracia-Viardot,，1821-1910）與舒曼夫妻的相處多所著墨。

克拉拉從接觸鋼琴的初期，創作活動就與每天例行的練習融合在一起，她早期的音樂會節目裡就有自己的作品，她創作的意義在於他與舒曼之間音樂與情感上的相互依賴。和蕭邦一樣，克拉拉也受到義大利歌劇作曲家啟發，作品流露浪漫主義的特質：華美的技巧、抒情詠嘆調的中間段落、自由的曲式，但少了浪漫派先驅擁有的想像力或創作能量。她發現，婚姻對一位創作天才而言簡直是災難。

身為鋼琴家與鋼琴老師，克拉拉遵循著他父親維克的教訓，特別重視觸鍵的均勻，以及培養對弱音踏板使用的敏感度。克拉拉的學生弗洛姆（Marie Fromm）在文章中描述克拉拉的教學：「她的訓練基石在於手臂的完全放鬆， 任何部位的肌肉都不能是緊張或受迫的」。她教學生「撫摸」或輕觸按鍵，以彈奏出所謂的「歌唱般」的音質。「在每個音節中，手指保持與琴鍵很近的距離，擠壓而不是敲擊琴鍵，和絃是從手腕而非從手肘而來。」

克拉拉對任何形式的誇大都感到痛心，不能有力度、速度上的誇張，任何會影響詮釋純粹度花招都是不被允許的。她認為技巧應該為作曲家服務，她對表演者的要求是「要尊重作曲家，這位創作者」，這是她留給後代最重要的遺產。

* 本文版權為陳相瑜所有，若轉載使用請註明出處。© 2019 Copyright by Hsiang-Yu Chen

鋼琴四手聯彈的魅力

陳相瑜翻譯    取材自"Four Hands, One Keyboard : Music for Piano Duet"，by Frances Wilson

鋼琴二重奏（四手聯彈）曾在19、20世紀歐洲的音樂活動中扮演重要的角色，時常在私人宅邸或藝文沙龍舉行。四手聯彈早在18世紀就廣受歡迎，它讓年輕人，特別是異性，有機會一起演奏音樂。兒童時期的莫札特就常常和姊姊一起表演二重奏，他曾為鋼琴四手聯彈創作了6首奏鳴曲及一些小品。莫札特喜歡四手聯彈的各種形式，更享受在一架鋼琴上探索豐富的音樂層次以及對話的可能性。舒伯特更進一步地為鋼琴四手聯彈創作了A大調輪旋曲（D951）、A小調快板，以及著名的F小調幻想曲。舒伯特F小調幻想曲是一首充滿深刻情感、技巧複雜、音樂架構龐大、近20分鐘的樂曲，這首作品不再只是中產階級年輕女孩在家自娛娛人的樂曲，而是現今音樂會中經典的四手聯彈曲目。

到了19世紀，隨著現代鋼琴的改良發展，鋼琴二重奏也變得更普及。量產之後的鋼琴更加便宜，使得鋼琴成為現代家庭中必備的樂器。作曲家，特別是出版商，抓住這龐大的商機，出版了大量的鋼琴音樂給普羅大眾演奏。許多的管弦樂曲、室內樂、合唱作品也被改編成鋼琴二重奏，為演奏者提供更豐富而多元的曲目。這些為四手聯彈而改編的作品至今仍深受歡迎，包括了：布拉姆斯《匈牙利舞曲》（Brahms，Hungarian Dances）、德佛扎克《斯拉夫舞曲》（Dvořák， Slavonic Dances）、佛瑞為情婦之女所寫的《桃莉組曲》（Fauré， Dolly Suite）、德布西抒情動聽的《小組曲》（Debussy，Petite Suite)，以及拉威爾的《鵝媽媽組曲》（Ravel，Ma mére l'Oye）等。

不斷超越自我的作曲家—賴德和

賴德和，1943年出生於彰化員林，是台灣當代重量級的作曲家，作品屢獲殊榮，《眾妙》獲第七屆吳三連文藝獎（1984）、《紅樓夢》獲第十二屆國家文藝獎（1987）、《辛未深秋》獲得文建會室內樂創作獎（1992）、《年節組曲》（1995管絃樂版）獲第十四屆國家文藝獎（2010）、《悲歌—為中提琴與鋼琴》榮獲第25屆傳藝金曲獎最佳創作獎（2014）。賴德和堅信：「創作需根植於斯土斯民，也就是所謂的民族性」，因此其作品兼容傳統文化思維和西方現代作曲技法。賴德和的作品還包括了《待嫁娘》、《春水》、《抒懷一章》、《楚漢》、多首台語歌曲等。

                                        （劉振祥攝影）