2024陽光台北交響樂團神劇《摩西》演出

大家可能都聽過舊約聖經中摩西帶領以色列人出埃及、過紅海的故事，或許也看過動畫電影《埃及王子》等相關影片，但鮮有人知道這位以色列最偉大的先知摩西的生平，曾經被德國浪漫時期作曲家布魯赫（Max Bruch, 1838-1920）用音樂描繪出來，創作成神劇《摩西》。2024年6月11日在台北國家音樂廳，將由孫愛光老師領軍，指揮台北YMCA聖樂合唱團與陽光台北交響樂團，共同演繹這部巨作。

布魯赫最知名的作品是創作於1868年的《G小調第一號小提琴協奏曲》，在這首作品大獲成功之後，他就有一個心願，想完成一首能展現他信仰的神劇。1873年布魯赫曾經對友人赫爾曼（Hermann Deiters，1833-1907）斷言：「神劇自17世紀起到孟德爾頌之後就沒有未來」，但1894年1月他得到史畢塔（Ludwig Spitta，1845-1901）撰寫的劇本後，就毅然決然地投入神劇《摩西》的創作，並於隔年1月在德國巴門（Barmen）舉行首演。

神劇《摩西》根據摩西的生平，分成四大部分、19首樂曲。第一部分：「在西奈山」描述摩西是以色列百姓的屬靈領袖，在西奈山接受神所頒布的十誡；第二部分：「金牛犢」描寫百姓因為久候摩西未歸，在摩西的哥哥亞倫（Aaron) 的帶領下對金牛犢崇拜，引來摩西的憤怒和斥責；第三部分：「從迦南地回來的探子」敘述摩西差派12個探子到迦南地勘查，回來之後有10個人非常悲觀，只有約書亞（Joshua）和迦勒（Caleb）對神充滿信心，之後摩西帶領追隨他的百姓與亞瑪力人交戰。第四部分：「應許之地」，摩西帶領以色列人繼續前往應許之地，但最終未能如願，摩西為他的百姓們祝福之後就安息了（遺願由約書亞完成）。

神劇《摩西》全曲長達兩個小時，當中有三位獨唱，包括摩西（男中音林中光飾演）、亞倫（男高音鄧吉龍飾演）以及天使（次女高音翁若珮飾演）。音樂高潮迭起、張力十足，布魯赫大量地運用半音進行調性轉換（如 : D大調-降E大調；C大調-B大調）來營造音樂的戲劇性，並以管風琴為獨唱伴奏，作為獨唱與合唱之間的串場。布魯赫曾謙卑地說：「若不是神在我裡面有強烈深刻的感動，我沒辦法寫出《摩西》這樣的作品……我，微不足道，什麼也不是，我認真地尋求，將上帝借給我的天份，盡可能地發揮出來」。神劇《摩西》成為布魯赫創作生涯中最大型的音樂作品，也是他最真誠、最深刻的信仰告白。

～2024-6-6～

北市國《樂·極致》2023/24開季音樂會有感

臺北市立國樂團（TCO）2023/24開季音樂會於2023年9月9日在臺北市中山堂舉行，曲目相當精彩而豐富，包括：李元貞《徑頭—記砂卡噹採集》、劉湲的音詩作品《沙迪爾傳奇》、古曲《敦煌琵琶譜》（陳應時譯譜、吳蠻譯版）、何啟榮《水龍吟》給中阮與國樂團、《將軍令》（顧冠仁改編）、趙季平《第二琵琶協奏曲》、劉至軒《春樹暮雲幻想曲》，由旅歐首席指揮張宇安擔任指揮，吳蠻擔任琵琶獨奏、馬欣妤擔任中阮獨奏。

音樂會曲目各有特色，其中李元貞《徑頭—記砂卡噹採集》是委託創作、世界首演的作品；《敦煌琵琶譜》是吳蠻首次在臺灣演奏；趙季平為吳蠻量身創作的《第二琵琶協奏曲》國樂版在臺北的首演，這些作品於開季音樂會一起演出，具有指標性的意義。其中我最有感的是《敦煌琵琶譜》、《水龍吟》以及《第二琵琶協奏曲》。

《敦煌琵琶譜》是1900年發現於敦煌莫高窟第十七號藏經洞裡的一組琵琶樂譜，共25首，收錄晚唐至五代（約西元933年）的琵琶樂譜，原稿現存放於法國國家圖書館。由於樂譜是比古琴譜更複雜的文字譜，從林謙三（日本學者）到陳應時、席臻貫等人歷經近百年的研究，大致破譯了這些樂譜，吳蠻老師採用陳應時的譯譜，加上自己的詮釋，精選其中的《品弄》、《西江月》、《營富》等樂曲，用現代琵琶將其串連在一起演奏，重現一千多年前曲調單純的琵琶音樂，並以悠揚莊嚴的罄音加以襯托呼應，有令人法喜充滿的感動。

何啟榮為中阮與國樂團創作的《水龍吟》是2020年臺北市立國樂團的委託創作曲，中阮技巧難度相當高，首演即由馬欣妤擔任，此次再度演出，想必有更上一層樓的詮釋。樂曲的配器搭配中阮的特性，大量地採用類似彈撥樂器的聲響效果，以細碎的音型、點描的方式勾勒出聲線及音樂的色彩，這是我第一次聆賞以中阮當作主奏的演出，別有一番不同的感受。

吳蠻可說是當今國際首屈一指的琵琶演奏家，《第二琵琶協奏曲》是趙季平於2013年接受雪梨交響樂團的委託創作，並由吳蠻及雪梨交響樂團擔任首演，2019年吳蠻也曾受國家交響樂團之邀，來臺合作演出。《第二琵琶協奏曲》是以「蘇州評彈」的風格為創作元素寫作的，樂曲由大提琴抒情的旋律與琵琶的溫柔婉約相互輝映；豎琴流瀉的音符描繪出江南的秀麗風光；遙遠的幾聲笛音則仿若掠過湖面的飛雁點點，不禁讓人聯想起蘇東坡美麗的詩句：「水光艷瀲晴方好，山色空濛雨亦奇…」全曲雖採用西方奏鳴曲式的架構，卻充滿了敘事性以及中國含蓄柔美的人文情懷。












～2023-9-10～

管風琴家族樂器：簧風琴（Harmonium）

                                     

Harmonium，簧風琴（或稱為腳踏風琴，俗稱風琴）是一種小型的鍵盤樂器，透過雙腳踩踏踏板鼓動風箱，使氣流震動活動簧片（free reed）而發聲。因為體積小不昂貴，又方便搬運，所以流行於19世紀的小型教堂及私人宅邸。常見的簧風琴有一個鍵盤，也有兩個鍵盤者，音域較一般的管風琴（pipe organ）窄，約3至5個八度，音色變化也有限，有些簧風琴會設有數量不等的音栓以增加音色的豐富性，有些則無。

                                       

   

                                      

       極盛時期華麗的簧風琴（網路照片）

Regal，可說是簧風琴的前身，是一種小型、手提式的風琴，琴身後面外接兩個風箱（bellow），氣流經過簧片（非音管）震動而發聲，流行於14到17世紀，在文藝復興時期最為盛行。小型的regal因為可摺疊成像一本書，故稱為「聖經簧風琴」（Bible regal）。

        古代簧風琴  regal  （網路照片）

德裔的哥本哈根大學生理學教授Christian Gottlieb Kratzenstein (1723–1795)被公認為是最早提出簧風琴活動簧片（free reed）發聲概念者。1810年法籍Gabriel Joseph Grenié (1756–1837)展示了類似簧風琴的樂器，稱之為orgue expressif (expressive organ)，因其富有表情，可做漸強漸弱而得名。之後法國巴黎的Alexandre Debain（1809-1877）將orgue expressif 做改良，並且在1842將其改良的樂器申請專利，定名為harmonium。1854年Debain又增加控制音量大小的膝墊裝置（orgue mustel），使得音樂更有變化。

簧風琴在1850至1920年間被引入美國，並發展出吸入式風箱，Estey Organ 和Mason & Hamlin 是美國兩大簧風琴製造商。由於簧風琴搬運的便利性，及相對低廉的價格和保養成本，除了美洲外也陸續傳入亞洲其它地區，特別是1920年傳入印度後，更發展出迷你風琴。但到了1930年代中期，電子管風琴（hammond organ）被發明，由於它可以模仿真正管風琴的音色，價格也不高，再加上普羅大眾的音樂品味逐漸改變，簧風琴就漸趨沒落了。1950年代中期美國製造商停產簧風琴，到了1970年代義大利的公司也停產，簧風琴的輝煌歷史正式告終。

        

        

                   印度迷你風琴（網路照片）

除了小學音樂課曾彈過簧風琴外，作者迄今有三次演出簧風琴的經驗。第一次是在1997年12月，由民生報主辦，台南奇美博物館館藏的畫作於台北故宮博物院展出，名為「女人頌」，配合展期，我有幸獲邀演奏其珍藏的古董簧風琴，做為期兩個月，前後八次的示範演出。

第二次演出簧風琴是在2011年5月，我參與國家交響樂團「一個嘆息，一個世界」音樂會，演出第二維也納樂派作曲家魏本（A.Webern,1883-1945）於1911-1913年間所創作的五首管弦樂小品，作品10。（http://youtu.be/CTn0Y016atE）

這五首給小型樂團的小品，每首都是簡短、精心設計的樂曲，編制相當特別，有長笛、雙簧管、降E調豎笛、低音豎笛、法國號、小號、長號、打擊、曼陀鈴、吉他、鋼片琴、簧風琴、小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴。這首樂曲另有弦樂三重奏、鋼琴、簧風琴的改編版本。

荀白克（A.Schönberg，1874-1951）曾對魏本作品做出這樣的評論：「我們必須瞭解這般簡潔的自我表達需要多少的克制。 每個驚鴻一瞥可擴展成一首詩；每個嘆息可發展為一部小說。」沒有反覆的旋律；寥寥數個動機，魏本企圖表達12音列富有張力及表情的聲響世界，以及樂器垂直併列或橫向串聯所創造出新的音質、色彩。這種簡練的音樂呈現，也挑戰聽者更深刻的音樂聆賞能力。魏本另有六首小品，作品6，也使用簧風琴。

2014年12月，我參與北市交製作，於台北國家戲劇院首演的理察·史特勞斯歌劇「納克索斯島上的阿麗雅德妮」（Ariadne auf Naxos）演出，擔任簧風琴演奏。這首完成於1916年的歌劇，描述私人豪宅的晚宴中，莊嚴歌劇（opera seria）與輕鬆的喜歌劇（opera buffa)被主人當作娛興節目，安排一起演出的荒謬情形。有別於其它歌劇用大型樂團伴奏、大合唱團幫襯，這首歌劇的樂團編制較小，僅36人，每個聲部都有如演出室內樂般的吃重，相較於一般樂團，此歌劇要求更精確、更細膩的音樂表達。

簧風琴做為19世紀私人宅邸常見的鍵盤樂器，正好呼應了此部歌劇的劇情。簧風琴可做為獨奏、可擔任詠嘆調或宣敘調的伴奏、可烘托弦樂的音色、可加強樂團的低音、可讓音樂的和聲更加豐富飽滿等多重功能，使得這個傳統音樂會中少見的鍵盤樂器，在整齣歌劇中占有一個獨特的位置！（http://youtu.be/_gjpv2Ehtro）

        

                  歌劇演出所使用的簧風琴

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2023任俞仲《阿爾康經典》鋼琴獨奏會

2023年俄國作曲家拉赫曼尼諾夫150歲，全世界紀念他的音樂會如火如荼地展開，台灣也不例外，在眾多鋼琴名家演奏的拉赫曼尼諾夫音樂會之外，有一場音樂會顯得非常特別，是為了紀念法國浪漫時期作曲家阿爾康210周年，於3月13日在台北國家演奏廳所舉行的鋼琴獨奏會，由鋼琴家任俞仲擔任演奏。

對絕大多數的人來說，阿爾康這個名字是陌生的，阿爾康（Charles-Valentin Alkan）出生於1813年的法國巴黎，去世於1888年，是具有猶太血統的法國作曲家。阿爾康從小就是公認的音樂神童，六歲即進入巴黎音樂院就讀，與同時代的蕭邦、李斯特等偉大的音樂家們熟識，均活躍於巴黎音樂圈。和蕭邦一樣，阿爾康的創作也以鋼琴為主，為鋼琴寫下了大量的作品，音樂展現了其個人特質及猶太信仰，並將鋼琴技巧發展到極致。德國指揮家、鋼琴家馮·畢羅曾說：「阿爾康無疑是巴黎現代鋼琴學派最傑出的代表，純粹因為他討厭旅行，以及他作為老師的聲譽穩固，才能解釋為何他的作品目前在德國仍受到如此少的關注」。

《阿爾康經典》鋼琴獨奏會上半場的曲目是《單鋼琴交響曲，作品39，No.4～7》（Symphonie pour piano seul, Op.39 No.4～7），《單鋼琴交響曲》單看曲名就非常特別，和法國浪漫時期的《管風琴交響曲》概念相同，以一架鋼琴演奏出宛如一個交響樂團的磅礴氣勢，作品39的第4到第7首其實就是交響曲的四個樂章，包括：中庸的快板、送葬進行曲（小行板）、小步舞曲、終曲（急板），這首作品讓我自然而然地聯想到樂曲架構相似的蕭邦降b小調第二號鋼琴奏鳴曲。

下半場曲目為《12首為大調而作的練習曲，作品35》（Douze études dans tous les tons majeurs, Op.35）。浪漫時期許多作曲家都對鋼琴的表現力充滿興趣，透過創作鋼琴練習曲來探索鋼琴技巧的各種可能性，阿爾康也不例外，他曾寫下作品35及作品39兩套練習曲，作品35是12首大調練習曲；作品39則是12首小調練習曲。作品35的12首大調練習曲調性以四度上行排列，依序為A,D,G,C,F,降B,降E,降A,升C,降G,B,和E。這些練習曲展現了各種高難度的技巧，包括：八度音、重複音、震音等，其中有許多技巧現在聽來都還相當創新。此外，這些練習曲也兼顧了藝術性，充滿了幻想曲的自由風格，12首練習曲全部彈完超過一小時，對耐力、專注力都是很大的考驗。

鋼琴家任俞仲的表現可圈可點，他是執業律師，在工作之餘還能持續鋼琴演奏，並拓展罕見又高難度的曲目，真是令人佩服。唯踏板的使用可以更加大膽，以展現鋼琴華麗恢宏的聲響效果。另外，越是旋律簡單、和聲單純的樂段，越是考驗演奏家的音樂性，需要更多的歌唱。非常開心能有機會聽到整場阿爾康的音樂會，也向這位優秀的青年鋼琴家致敬！

～2023-3-14～

醫生管風琴家—史懷哲（Albert Schweitzer)

集醫生、醫療佈道家、神學家、哲學家、音樂學者、管風琴演奏家等多重身分於一身的史懷哲（Albert Schweitzer，1875-1965)，是1952年諾貝爾和平獎得主，他闡述「尊重生命」（Reverence for Life）的哲學觀，並終生力行。素有「叢林醫師」或「叢林聖人」（Jungle Doctor，or Jungle Saint) 稱號的史懷哲，年輕時期即懷抱著宣教的使命。1904年得知非洲醫療資源的需求，他回應神的呼召，於次年進入醫學院就讀。醫學院畢業後，1913年他到中西非的Lambaréné（現加邦國，Gabon）建立醫院，為當地人提供醫療、信仰、教育、建築、物資等服務。1953年他更將諾貝爾獎的獎金捐出，為當地人建立了麻瘋病院。除了人道醫療的貢獻外，史懷哲也是ㄧ位優秀的管風琴家，ㄧ生致力於巴哈音樂的推廣，並協助修復許多巴洛克時期的管風琴，最終帶動了管風琴的改革運動（Orgelbewegung）。

音樂及神學教育

出生於1875年1月14日的史懷哲，是生於德國凱薩斯堡（Kaysersberg）的法國人。他來自重視音樂教育的牧師家庭，5歲隨父親學鋼琴，8歲開始學管風琴，9歲就在教堂公開演奏，10歲起隨尤金·孟許（Eugène Munch）學習鋼琴及管風琴。1893年史懷哲進入史特拉斯堡大學（Kaiser Wihelm University of Strasbourg)就讀，學習哲學與神學，並隨Jacobsthal學習音樂理論（對位法），這段時期他也接觸了不少華格納的歌劇。同年史懷哲在巴黎Saint-Suplice教堂演奏給當時最富盛名的管風琴家維多（Charles -Marie Widor）聽，維多對史懷哲的音樂才華印象深刻，收他為學生，並免費指導。1896年他專程到德國的拜魯特觀賞華格納歌劇「尼貝龍指環」的演出，深受影響。1898年史懷哲返回巴黎撰寫博士論文「康德的宗教哲學」，期間除了持續隨維多學習管風琴外，也隨Isidor Phillip 及Marie Jaëll Trautmann學習鋼琴。1899年他完成論文，並獲得哲學博士學位，翌年以論文「最後的晚餐」獲神學博士學位。他對人類思想最大的貢獻在於「普世的道德」哲學觀（Universal Ethical Philosophy）之追尋。

史懷哲與巴哈的音樂

史懷哲學習管風琴的過程中接觸了許多巴哈的作品。他不只是演奏巴哈音樂，更花時間研究巴哈的作品，並透過神學理論來詮釋巴哈的音樂。史懷哲認為巴哈是哥德式音樂藝術的建築師、畫家及詩人，更是一位神秘主義者，用語言無法表達的音樂語彙，引領人進入內在的平靜，與永恆的神合而為一。1899年史懷哲根據聖詠歌詞內容，運用圖像及節奏韻律等象徵手法來詮釋巴哈聖詠前奏曲的動機及音型，這種獨具創意的詮釋方式讓他的老師維多（Widor）大為讚嘆。在維多及孟許的鼓勵下，史懷哲深入研究巴哈的作品，終於在1905年完成了他法文版的鉅著「巴哈傳：詩人音樂家」（J. S. Bach: Le Musicien-Poète)。1908年他出版以德文重新撰寫的「巴哈傳」。此外，史懷哲與維多等6位音樂家於1905年共同創立「巴黎巴哈協會」（Paris Bach Society)來推廣巴哈的音樂，他也經常擔任管風琴演奏，直到1913年前往非洲為止。史懷哲曾經參與巴哈管風琴作品集的編輯工作，1912-14年共出版6冊作品，並附有詳盡的分析說明。史懷哲還錄製一系列巴哈管風琴音樂，其中最著名的是1936年錄製的「聖詠前奏曲集」，其巴哈音樂的詮釋方法深深地影響了後代的音樂家。

史懷哲與管風琴改革運動

停留巴黎期間，史懷哲發現當時的管風琴不適合演奏巴哈以對位手法所創作的音樂。史懷哲曾在自傳「我的生活與思想」（Out of My Life and Thought）中提到在1896年去斯圖加特的"Liederhalle"聆聽管風琴家Lange演奏ㄧ架新琴的感想，他發現浪漫派的管風琴聲音太吵雜，並不適合演奏巴哈的作品，特別是賦格曲的個別聲部無法分辨。這樣的經驗激發他開始研究管風琴及管風琴製造（organ building)，1906年他出版了「德國法國管風琴製造及管風琴演奏的藝術」手冊（The Art of Organ Building and Organ Playing in Germany and France），內文批判當時的管風琴製造太商業化；漠視管風琴製造傳統；過度「交響化」的管風琴製造潮流使管風琴喪失原有的特質。他認為機械式的發聲設計是最能展現管風琴音色的方式，並將管風琴從極端浪漫派的風格轉回巴洛克的風貌，因而啟發了管風琴的改革運動（Orgelbewegung，或稱 Organ Revival Movement)。

1909年他在維也納舉行的國際音樂協會會議上發表演說，提出了「管風琴製造的國際規範」（International Regulations for Organ Building)，他主張法國後期浪漫派的管風琴應該與英國德國浪漫派的簧類音色及巴洛克的唇類發聲音色做全面的整合，必須能清晰地演奏賦格之類的對位作品，並兼顧個別聲部及整體的音樂表現。受史懷哲管風琴設計理念影響的琴包括了：1905年位於史特拉斯堡的聖多馬教堂（St. Thomas Church)中的詩班風琴；1907年位於史特拉斯堡-克羅嫩堡（Strasbourg-Kronenburg）的救世主教堂（Erlöserkirche）管風琴。此外他也協助修復許多巴洛克時期Silbermann管風琴。

   依照史懷哲理念所建的聖多馬教堂管風琴

音樂，特別是管風琴音樂，是史懷哲生命中不可或缺的要素，在他90年豐富多彩的人生中，音樂始終陪伴著他。史懷哲在自傳中說道：「音樂是我的傳承」；「我自祖父Schillinger那裡承襲了對管風琴製造的熱愛，自小時候起，我就一直想瞭解管風琴裡面有什麼東西...」。1926年他在一封信裡提到：「任何人都可以透過管風琴音樂體會在真理之中的喜悅，並感受到永恆」。史懷哲的傳記作者Werner Picht更是為史懷哲的一生留下了一個最美好的註解：「任何人想要理解史懷哲作為一個存有，必須視他如一首由管風琴所伴奏的神劇作品」（Anyone wishes to comprehend  the being of Albert Schweizer should see it as an oratorio with organ accompaniment）。

延伸聆賞：史懷哲演奏J.S. Bach, bwv731http://youtu.be/FqSXeHYtezE

* 以上照片來自網路。

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音樂家的守護者：聖賽西莉亞（St. Cecilia）

賽西莉亞（Cecilia）是第三世紀的基督徒，被稱為「處女殉道者」（Virgin，Martyr）。根據傳說，賽西莉亞出生於羅馬帝國的貴族家庭，自幼即非常虔誠，常常禁食祈禱。雖然賽西莉亞希望能維持貞潔，但是父母還是將她許配給異教徒瓦勒蘭（Valerian）。當婚禮的樂聲響起時，賽西莉亞就在內心不斷地歌頌著她對上帝的愛，並聽見了來自天堂的音樂。婚禮當晚賽西莉亞對丈瓦勒蘭說，她已經將自己奉獻給上帝，並有天使在身旁守護著她，請求瓦勒蘭讓她繼續維持貞潔。賽西莉亞要求瓦勒蘭相信獨一真神並接受主教烏爾班（Urban）的洗禮。之後便有手握花冠、背有火焰翅膀的天使向瓦勒蘭顯現，他就接受了基督信仰，並與後來也信主受洗的哥哥提布提烏斯（Tiburtius）雙雙為主殉道。

    最早的聖賽西莉亞圖像史料 : 聖賽西莉亞的婚筵，1290

 賽西莉亞雕像（位於義大利Verona， 14世紀初）

   聖賽西莉亞、瓦勒蘭、提布提烏斯與天使

賽西莉亞經常協助安葬受難的基督徒，並到處宣揚福音，曾帶領400人信仰基督，這在當時違反了羅馬的律法，之後她也被判處死刑。賽西莉亞行刑時頸部被劍砍了三次沒死，躺在血泊中的她竟然又奇蹟般地多活了三天，並向前來觀看的民眾傳講福音，她死於230年。西元545年左右，教會將11月22日定為聖賽西莉亞日（Saint Cecilia's Day)，九世紀時她的遺體從地下墓穴（Catacombs）被遷移至故居地所改建的聖賽西莉亞教堂（St. Cecilia Church），賽西莉亞也因著她的德行被列入彌撒常典（Canon of the Mass）聖徒之列。

            賽西莉亞與瓦勒蘭的殉道

          羅馬Trastevere的聖賽西莉亞教堂

          賽西莉亞靈寢的雕刻，1599

由於聖賽西莉亞在婚禮時於內心虔誠的歌唱頌讚上帝，並聽見了來自天堂的音樂，所以自16世紀起，她就被當作是音樂家的守護者，並成為後代詩人、畫家、音樂家們歌詠的對象。聖賽西莉亞常被描繪彈奏著風琴、豎琴、提琴，或是聆聽天使的歌唱。史料中最早以聖賽西莉亞為名所舉辦的音樂活動是出現於1570年法國諾曼第的埃弗勒（Evreux）所舉行的音樂節。1585年由教皇思道五世（Sixtus V，1521-1590）御詔所創立的國立聖西莉亞學院（Accdemia Nazionale di Santa Cecilia）更是世界上最古老的音樂機構之一。

         聖賽西莉亞的狂喜（拉菲爾,1514）

（Domenico Zampieri）

             Orazio  Genleschi（1618-21）

 Nicolas Poussin（1627-28）

 Carlo Dolci,1671

 John William Waterhouse,1895

John Melhuish Strukdwic,1896

         聖賽西莉亞的殉道（Lynden St. Victor）

       聖賽西莉亞-看不見的鋼琴（Max Ernst,1923）

歷史上歌詠或描述聖賽西莉亞的各類創作非常豐富，其中較著名的有詩人約翰·萊頓（John Dryde，1630-1700）、亞歷山大·浦博（Alexander Pope，1688-1744）及奧登（W.H.Auden，1907-1973）的詩作；作曲家浦賽爾（Henry Purcell）的《Ode to St. Cecilia》；夏本提耶（Marc-Antoine Charpentier）的神劇；韓德爾（George Frideric Handel）的清唱劇《Ode for St. Cecilia's Day 》；古諾（Charles Gounod）的《聖賽西莉亞彌撒，St. Cecilia Mass》；布烈頓（Benjamin Britten ）的《聖賽西莉亞讚美詩，Hymn to St. Cecilia》；馮·威廉士（Vaughan Williams）的《A Hymn to Saint Cecilia》；馬勒（Gustav Mahler）第四號交響曲中的《The Heavenly Life》等等。值得一提的是英國作曲家布烈頓正是出生於1913年的聖賽西莉亞日（11月22日），他根據詩人奧登（W.H.Auden，1907-1973）的詩作於1942年完成ㄧ首三段體的作品《聖賽西莉亞讚美詩，Hymn to St. Cecilia》來頌讚這位音樂家的守護者。

           聖賽西莉亞彩繪玻璃

         聖賽西莉亞的彩繪玻璃

除了詩作、音樂、繪畫、雕刻外，聖賽西莉亞更是常常被製成銀飾或卡片，藉此祈福守護。如今，聖賽西莉亞仍然以各種方式被紀念著，如：聖賽西莉亞教堂、聖賽西莉亞天主教學校、聖賽西莉亞音樂學院、聖賽西莉亞音樂節、聖賽西莉亞音樂大賽等等。如經上所記：「那美好的仗我已打過，當跑的路我已跑盡，所信的道我已持守，如今有公義的冠冕為我存留...」聖賽西莉亞等偉大聖徒們堅定的信仰、美好的德行，留給世人最好的典範。又如希伯來書所說：「我們既然有許多證人，如同雲彩般圍繞著我們，就當放下各樣重擔，脫去容易纏累我們的罪，存心忍耐，奔那擺在我們前面的路程。」鼓舞著後世的基督徒們效法並追隨他們的腳踪。

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我的聖桑「管風琴」交響曲演出經驗

法國作曲家聖桑（C. Saint-Saëns，1835-1921）一生共創作了五首交響曲，其中有兩首沒有編號，C小調第三號交響曲是最受歡迎的一首，因樂曲中大量的使用管風琴而被稱為「管風琴」交響曲，聖桑在交響曲中加入管風琴的編制，被視為音樂史上的一項創舉。其實聖桑本人就是一位優秀的管風琴演奏家，早在學生時期，他就已經展現了管風琴即興的演奏才能，並在巴黎各教堂以演奏管風琴維生，後來更在巴黎管風琴師地位最崇高的瑪德蓮教堂（Église de la Madeleine）當了二十年風琴師。在第三號交響曲中聖桑將其所擅長的管風琴演奏發揮的淋漓盡致。

1886年聖桑完成他最著名的兩首作品，一首是家喻戶曉的「動物狂歡節」，另一首就是「管風琴」交響曲。「動物狂歡節」是由14段小品結合而成的組曲，而第三號交響曲「管風琴」則是結構相當嚴謹的樂曲。1886年的2月，正值人生創作高峰期的聖桑在布拉格完成了這首交響曲。同年的5月，他親自指揮管弦樂團在倫敦舉行首演，獲得了熱烈的迴響。第二年再度於法國演出此曲，觀眾們深受震撼。「管風琴」交響曲完成後，聖桑曾滿意地表示：「我已經竭盡所能來創作，而且並不是每天都能有這麼豐富的靈感」。然而，聖桑的作曲家好友李斯特，不幸的在第三號交響曲首演的兩個多月後去世了，為了紀念生前一直支持他的李斯特，聖桑特別在樂譜的封面上寫下「為紀念法蘭茲‧李斯特而做」的獻辭。

聖桑的C小調第三號交響曲共分為四個樂段，其中第一樂段與第二樂段相連，而第三樂段又與第四樂段串連在一起，所以被認為是兩個樂章形式的交響曲。兩個樂章的開頭分別有一段緩慢的序奏作為快板樂段的導引。第一樂章的後半段，管風琴做為引導的和聲，帶有宗教般的虔敬情懷，襯托弦樂優美如詩的旋律；第二樂章管風琴則展現了與樂團分庭抗禮，甚至凌駕樂團之上的磅礡氣勢，全曲在熱烈、激昂、興奮、凱旋的氣氛中結束。除了管風琴的運用外，聖桑在樂器的配置上還有許多獨到之處，如：使用低音豎笛、倍低音管這些少見的樂器，還加上鋼琴四手聯彈。這首「管風琴」交響曲可說是聖桑藝術創作顛峰之作，更是發燒友測試音響時的重要曲目之一。

我個人有幾次演出聖桑這首著名的「管風琴」交響曲的經驗。第一次演出此曲是在1991年4月7日參與聯合實驗管弦樂團（國家交響樂團的前身）於台北國家音樂廳的演出。當天音樂會曲目是全場聖桑的作品，上半場是聖桑的鋼琴協奏曲，下半場則是「管風琴」交響曲。這場音樂會是我自美國學成返台之後第一個較具份量的演出，也因著這場音樂會順利完成，使我有後續的演出機會，對我來說別具意義。回想當時演奏這首偉大樂曲時內心的激動、興奮之情，至今仍記憶猶新。

第一次演出之後又跟國家交響樂團演出過一次，但確實的演出日期已不復記憶。近期的演出則是2014年12月23日與台北市民交響樂團的合作，由癌症基金會所主辦的「芬蘭頌/自由之心」音樂會演出。當晚的演出曲目除了「管風琴」交響曲外，尚有西貝流士的「芬蘭頌」與「d小調小提琴協奏曲」，由林天吉老師擔任指揮，簡名彥老師擔任小提琴獨奏。為了迎接聖誕佳節的來臨，音樂會中團員們各個精心打扮，頭戴聖誕帽、身穿色彩繽紛的禮服，氣氛顯得特別歡樂！

  2014/12/23 於台北國家音樂廳演出（http://youtu.be/SXS3GQbZ9kA）

2015年6月6日我接獲中國貴陽交響樂團的邀請，於6月13日在貴陽大劇院演出整場《管風琴與管弦樂》音樂會。上半場是阿比諾尼（Albinoni）給管風琴與弦樂的g小調慢板、浦朗克（Poulenc）g小調管風琴協奏曲，下半場就是聖桑的「管風琴」交響曲。這場音樂會是我演奏生涯中最具挑戰性的一次經驗，在短短的一週內準備ㄧ整場曲目很重的演出，使用的樂器是不符合樂曲音色要求的電子管風琴，包含總綵僅僅2次的排練，真是困難重重，所幸演出結果堪稱順利。這場音樂會的指揮是陳佐湟老師，他在2015年六月樂季結束後隨即卸下貴陽交響樂團音樂總監一職。

（我與貴陽交響樂團合作演出的難忘經驗：http://hysylvia.blogspot.tw/2015/06/2015.html）

                                                      

                 

     2015/6/13與指揮陳佐湟合影

睽違了十幾年後，2016年5月14日我再次以獨奏家身分與國家交響樂團合作演出《琴 · 鍵 · 交響》音樂會。這場音樂會的曲目包括了高大宜（Z. Kodály）「加蘭塔舞曲」、德沃札克（Dvorák）g小調鋼琴協奏曲，及聖桑「管風琴」交響曲，由韓裔鋼琴家白建宇擔任鋼琴獨奏，義大利籍Rico Saccani擔任指揮。有趣的是指揮家Rico Saccani是繼陳佐湟老師之後現任貴陽交響樂團的音樂總監，音樂會後的聚餐中我們聊到這奇妙的緣份時，倍感親切！

        2016/5/14 台北於國家音樂廳演出

        2016/5/14與指揮Rico Saccani 合影

雖然同一首曲子已經有幾次的演出經驗，但是每次與不同的樂團合作都會有新的體會，對樂曲也會有更深的認識和不同的看法。2016年6月13日同樣在台北國家音樂廳，實踐大學管弦樂團也要演出聖桑「管風琴」交響曲，屆時我將再度擔綱演出，更期待每一次音樂會演出都能激盪岀新的火花！

*與NSO演出連結：https://youtu.be/7IWjc_kxyuQ

2022陽光台北交響樂團《神劇約書亞》演出

2022年10月6日陽光台北交響樂團與台北YMCA聖樂合唱團合作，在台北國家音樂廳演出神劇《約書亞》及莫札特C小調彌撒，由孫愛光博士擔任指揮。神劇《約書亞》是韓德爾根據舊約聖經《約書亞記》的記載，描述摩西的接班人、新一代的領袖先知約書亞率領以色列人過約旦河進入迦南，打敗了當地的許多小國，贏得了神所賞賜的「應許之地」的故事。

「約書亞」代表「神的拯救」。聖經《約書亞記》中耶和華神曾曉諭約書亞：「你當剛強壯膽，不要懼怕，也不要驚惶，因為你無論往哪裡去，耶和華你的神必與你同在。」神也信守承諾，行了許多超自然的神蹟幫助約書亞打贏多場戰役，包括：分開約旦河河水讓以色列民通過；以色列民繞城七次讓耶利哥城倒塌；從天上降下大冰雹、日頭停留月亮止住幫助以色列擊敗亞摩利王等。

神劇《約書亞》是韓德爾於1747年根據莫瑞爾（Thomas Morell）的唱詞所創作的第四部神劇。在此之前韓德爾是一位成功的歌劇作曲家，曾寫過42部歌劇，之後他轉向神劇創作，也因此他的神劇帶有歌劇色彩，沒有一般宗教音樂的嚴肅沈悶。劇中五個主要角色，分別是約書亞（男高音/李文智）、約書亞的同伴迦勒（男中音/林中光）、年輕的戰士俄陀聶（女低音/陳靜旻）、迦勒的女兒押撒（女高音/徐雅萍飾），以及天使（男高音/戴唯捷）。

《約書亞》音樂充滿了高昂的凱旋氣氛，全劇包含三大部分，以英文演唱，其中有獨唱、宣敘調及合唱。合唱部分韓德爾大量地運用對位手法，創作了多首高難度的賦格曲。樂團的編制除了弦樂以外，有長笛、雙簧管、低音管、法國號、小號、定音鼓以及大鍵琴。韓德爾運用不同的樂器組合表現不同的音樂情感，在合唱進行曲「 看那英雄凱旋歸」（See the conquering hero comes）中，法國號代表勝利的凱歌，長笛則是柔美少女的象徵，這首著名的進行曲也曾出現在他的另一齣神劇《猶大·馬加比》中。

傳統的西方古典音樂絕大多數是宗教音樂，偉大的作曲家們運用上帝所賦予的音樂才華創作了許多經文歌、清唱劇、神劇、彌撒曲等聖樂，為的榮耀上帝的名。台北YMCA聖樂團也秉持著同樣的信念，多年來演唱了許多重要的宗教音樂，每年於聖誕期間也固定演唱韓德爾最著名的作品《彌賽亞》。若是1742年創作的《彌賽亞》是韓德爾的代表作，那麼完成於1747年的神劇《約書亞》則是其巔峰時期的傑作，旋律優美、對位精妙、和聲豐富，充滿戲劇張力，更是韓德爾信仰的真實展現！

～2022-9-27～

20160613《康乃爾大學與實踐大學》音樂會札記：馬斯蘭卡第四號交響曲

2016年6月實踐大學音樂系邀請康乃爾大學交響樂團指揮克里斯 · 永勳 · 金（Chris Younghoon Kim)來台，一連10天，密集的訓練音樂系的管樂團與管弦樂團，並於6月13日於台北國家音樂廳舉行《康乃爾大學與實踐大學》音樂會。上半場是管樂團的演出：馬斯蘭卡《第四號交響曲》，下半場則是管弦樂團演出三首歌劇選曲《一滴美妙的情淚》、《小鳥在唱歌》、《飲酒歌》，及聖桑《管風琴》交響曲，由男高音湯發凱、女高音蔡宜軒擔任獨唱，陳相瑜擔任管風琴演奏，安可曲是康乃爾大學的校歌。

指揮家簡介

指揮家克里斯 · 永勳 · 金（Chris Younghoon Kim）曾獲得美國西北大學學士學位，專攻音樂教育、雙簧管演奏，之後又取得密西根大學管弦樂指揮碩士學位，並鑽研作曲。他曾贏得許多獎項，包括柯普蘭唱片獎、美國指揮獎、美國節目規劃獎、美國交響樂團演出獎，以及美國作曲家協會節目規劃獎。現擔任康乃爾大學交響樂團指揮。

         與指揮家克里斯 · 永勳 · 金（Chris Younghoon Kim）合影

作曲家簡介

馬斯蘭卡（David Maslanka，1943）是美國當代知名的作曲家，他的創作種類繁多，包括：合唱、管樂合奏、室內樂及管弦樂作品，但最為著名的仍屬他為管樂合奏所寫的作品。馬斯蘭卡創作的9首交響曲中，有7首是為音樂會樂隊（concert band）而作的，這次實踐大學管樂團演奏的馬斯蘭卡《第四號交響曲》，創作於1993年，是一首非常精彩，但難度頗高的作品。

          作曲家馬斯蘭卡（David Maslanka）

作曲家對音樂創作背景的解說

第四號交響曲的創作根源來自多方面，主要的驅動力是來自對生命喜悅的謳歌；感受到來自西蒙大拿州、愛荷達州高原和山脈強而有力的呼聲，以及我回應大地而發出的感謝與讚美。因此在樂曲中我採用了Old Hundred、巴哈聖詠"Only Trust in God to Guide You"、"Christ Who Makes Us Holy"等曲調，以及類似聖詩的旋律做為交響曲的基本架構。

這些聖詩與長久以來我對亞伯拉罕 · 林肯（Abraham Lincoln)非常著迷有關。...對我而言，林肯仍是這個時代的典範，他維持著自身與對手間強烈怒火的巨大對抗，對內心的混亂持開放的態度，並從中鑄練出新的統一理念之框架。......林肯證明了一個不能動搖的理念：在這個世界上，人類是一體的；所有的生命是一體的；延伸至所有的生命型式均是一體的。

從這些混亂與激烈的反對聲浪中產生了新的生命與希望。因而我援引聖詩Old Hundred，又稱Doxology（三一頌，或作"讚美一神"）來讚美上帝，頌揚萬福之源，歸榮耀於最高神。這些基督教的象徵是我的文化傳承，但我試著在這個傳承中注入普世人性的深度，而非單純的宗教意涵，音樂中我要訴說的是，在這混亂的世代，我們要如何蛻變以及重生等基本的人性議題。

樂曲解說

第四號交響曲，有別於傳統獨立的、多樂章的交響曲，是一首單樂章、連貫的作品，並以《三一頌》的曲調作為整首樂曲的主題素材。第四號交響曲可說是由《三一頌》相關的、一系列的小片段組合而成，其它類聖詩的主題旋律，也讓整首樂曲更有整體感及一致性。馬斯蘭卡透過這《三一頌》主題素材的發展與變化，帶領演奏者及聽眾們踏上未知的感性之旅。

樂曲在法國號悠揚的樂聲中展開，隨著聖詩般主題的發展，音樂的情緒也漸趨激動高昂。之後優美平靜的法國號獨奏再次響起，幾經波瀾後，樂曲進入中間段落，《三一頌》以爵士樂、類即興的演奏方式呈現，氣氛非常的歡樂熱鬧，暗諷浮華虛無的世界。之後聖詩般的主題再現，並以昂揚、凱旋之姿呈現，樂曲最後在光輝榮耀中結束。隨著音樂的高低起伏，體現出作曲家想呈現的人心內在的蛻變與重生，我們彷彿也跟著經歷了人生的高山低谷，得以再次體悟並檢視生命的價值和意義！

管樂團排練心得

我個人鮮少有機會參與管樂團的演出，唯一一次的經驗是多年前應葉樹涵老師之邀，參與「芬奈爾大師與省交附設管樂團」於台北國家音樂廳的演出。管樂團與管弦樂團在編制上有很大的差異，有許多不常見的樂器，如：中音長笛、倍低音豎笛、上低音號等。另外管樂團樂句的表現以及呼吸方式，如同弦樂團的運弓，較管弦樂團更有一致性，所以在彈奏管風琴時要特別去感受管樂團的呼吸，與他們一同換氣，才能全然地融合。此外，作曲家在管樂團音樂作品中對於管風琴的運用，與交響樂團略有不同，需要更多思考音色的選擇及強弱變化的層次感。

排練時，指揮強調曲子的爵士樂段不能只把節奏演奏正確，要讓爵士樂的精神全然的融入身體之中，能自發性的表現出樂曲應有的節奏感、重音和分句，才能真正展現cool jazz的韻味。由於樂曲中有大量的節拍變化及速度的轉換，指揮特別提醒我們在日常生活中要培養「絕對的速度感」（perfect tempo），以提升對速度的敏銳度。這也是我在教學中再三提醒學生的，速度之於音樂，有如衣服的尺寸，無論衣服多有設計感、做工多精緻，尺寸不對，終究是不合身。

這場演出是緊接在6月12日NSO《行星組曲》音樂會之後，兩場音樂會的排練時間前後相連，因此我與擔任倍低音管演奏的簡恩義老師，奔波於國家音樂廳與實踐大學之間，非常的疲憊。但是樂曲本身的感染力及實踐大學學生們驚人的表現，讓我覺得音樂會美好的成果展現就是最好的回報。雖然樂團的排練非常耗時耗力，但藉著每一次的演出，能接觸到不同的指揮，不一樣的曲目，使我在音樂上能持續的學習，不斷地成長，真是非常充實又感恩。

延伸聆賞：Maslanka Symphony No 4 http://youtu.be/A2xcMoQ6ML4

    實踐大學管樂團

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